Audiovisual art: новая форма искусства. Как в Казани прошла лекция Андрэ Свибовича о синергии звука и света в современном творчестве
25 мая в Национальной библиотеке РТ в Казани в рамках международного фестиваля медиаискусства НУР/NUR прошла лекция “Audiovisual art: новая форма искусства”. Спикером выступил Андрэ Свибович, выдающийся аудиовизуальный художник и исследователь в области синергии звука и световых образов – основатель фестивалей MEDIASPANK и HPL Media street event, а также сооснователь образовательной программы «Медиакультура». Спикер противопоставил искусство и развлечение, проследил эволюцию аудиовизуальных форм — от наскальной живописи до современных перформансов, где свет и звук создают глубокий эмоциональный опыт.
В начале лекции художник затронул тему терминологии понятия “искусство”. Оно субъективное, сложное и спрашивать о том, что же это такое, по его словам, это изначально “задавать неверный вопрос”.
– Говоря об искусстве, мы путаемся в понятиях и смешиваем одно с другим. Если бы так происходило в реальной жизни, мы бы надевали носки на руки, а шапку на ноги, но почему-то этого не делаем, при том, говоря об искусстве, творчестве, ровняем все между собой.
Искусство бывает разное, отвечает на разные вопросы, задачи и по-разному сформулировано: со смыслом, без смысла, концептуальное, неконцептуальное, первобытное. Есть одна черта, которая отделяет искусство от других творческих проявлений: при столкновении с подлинным искусством, оно запускает мыслительный процесс, подталкивает к вопросам, последующему творчеству. С его помощью возможно лучше узнать мир, отмотать время назад и вперед, поменять героев местами, что-то увеличить или уменьшить.
(Фото 2: Взято из трансляции лекции от Международного фестиваля медиаискусства НУР/NUR)
– Есть теория о том, что первобытная идея синтеза произведений начинается примерно 25 000 лет назад. На слайде изображены снимки наскальной живописи, обнаруженные во Франции. Одна и та же лошадь изображена несколько раз и выглядит, как раскадровка. Исследуя пещеру, ученые обнаружили, что через нее протекает река. В определенные моменты солнечные лучи падают на наскальные изображения, создавая эффект преломления света. В результате последовательно подсвечиваются разные рисунки, образуя своеобразную покадровую анимацию. В этом же месте были найдены древние музыкальные инструменты, что позволяет предположить: данное место имело сакральное значение. Возможно, здесь мы наблюдаем истоки аудиовизуального искусства — раннюю попытку синтеза изображения и звука.
Дописьменная живопись интуитивна и абстрактна — она отражает мир напрямую, без символического посредничества. Художник того времени не интерпретировал увиденное, а просто передавал его. Поэтому современный интерес к таким авторам, как Малевич, стремящимся к примитивизму, объясняется не упрощением формы, а возвращением к чистому восприятию через чувства, минуя рациональное осмысление. Сегодня, используя новый язык искусства, мы снова пытаемся выражать сложные концепции непосредственно — почти как в первобытную эпоху.
(Фото 3: Взято из трансляции лекции от Международного фестиваля медиаискусства НУР/NUR)
– В XIX веке начинает активно развиваться осознанное понятие интердисциплинарности. И мне бы хотелось выделить двоих русских художников, которые начали обращаться к свету, не как к краске на холсте, а как к самостоятельному медиуму в искусстве. Например, картина Карла Брюллова "Христос во гробе" — один из первых примеров транспарентной живописи. Художник создал её так, что она не может быть выставлена без дополнительного цветового воздействия: за полотном помещают свечу, и свет, просвечивая изображение, становится частью произведения. Это ранняя попытка выйти за рамки плоскости, совместить живопись и объём через свет как медиум. Ниже на слайде – это работа Архипа Куинджи “Лунная ночь на Днепре”. Было специально построено полностью чёрное пространство, чтобы создать эффект свечения — не такого, когда зритель погружается в холст, а когда само произведение словно движется навстречу, выходя за его пределы.
В конце XIX века начинает развиваться нейробиология, технологии, мир вступает в эпоху электрического света, в искусстве ярче развиваются идеи синестезии. Синестезия — физиологическое явление, свойственное многим людям, когда при воспроизведении звука у человека может измениться восприятие цвета, как тип хроместезии. Внутренняя связь работы мозга, чувств, когда одно сенсорное ощущение влияет на восприятие другого. В науке это начинает активно исследоваться, вместе с тем развивая искусство. Художники замечают закономерность влияния произведения на то, что и как человек слышит.
(Фото 4: Фото автора)
– Принято считать, что именно Скрябин впервые концептуализировал синестезию в форме хроматического синтеза (хромосинтеза), хотя известно, что он был учеником Римского-Корсакова — композитора, также исследовавшего связь света и звука и, возможно, повлиявшего на его идеи. Скрябин разработал систему соответствий, где каждому музыкальному интервалу присваивался определённый цвет. Однако исследования второй половины XX века опровергли универсальность такой закономерности, показав, что восприятие цвета при звучании музыки носит индивидуальный характер и не поддаётся статистическому обобщению.
При этом Скрябин обнаружил и другую закономерность: отдельные сочетания звуков могут вызывать у людей схожие цветовые ассоциации, становясь условно конвенциональными. Он не ограничился теорией и стал первым художником, создавшим целостное аудиовизуальное произведение — свето-звуковую партитуру «Прометей. Поэма огня», где музыка и цветовые эффекты объединены в единую систему.
(Фото 5: Взято из трансляции лекции от Международного фестиваля медиаискусства НУР/NUR)
На новом слайде представлена работа американского светового художника Джеймса Таррелла. Само произведение напрямую не привержено к аудиовизуальному искусству, но именно Таррелл выводит свет на другой принцип понимания, делая свет пластическим элементом – медиумом. Художник уходит от использования физических объектов, создавая инсталляцию только с помощью освещения.
Ближе к концу XX века, развивая кинематограф, люди начинают использовать пленку для создания абстрактных анимаций, принимающих различные формы, отображающих свет, движение и звук в синергии.
(Фото 6: Фото автора)
– Абстрактная анимация имеет непосредственное отношение к аудиовизуальному искусству, хотя и использует немного другие принципы. В работе “An Optical Poem” (1938) Оскара Фишингера создана полноценная динамическая анимация, в основе которой лежит мелодия, построенная по музыкальным академическим правилам. В истории аудиовизуального искусства Фишингер сильно повлиял на его дальнейшее развитие. – Спикер советует анимацию к личному просмотру.
В 1940 году канадский художник Норман Макларен впервые применяет технологию объединения на пленке звука и визуальных элементов. Было создано устройство, способное считывать светозвуковой синтез, создавая полноценную динамичную анимацию. По форме звук уже не похож на музыку, визуал отошел от художественной картины, изменяются пластические подходы к созданию произведению.
(Фото 7: Взято из трансляции лекции от Международного фестиваля медиаискусства НУР/NUR)
– Понятие медиаискусства формируется во второй половине XX века, в период активного технологического прогресса. Если обратиться к русскому авангарду, можно заметить, что он был пронизан идеями интердисциплинарности и синтеза искусств, которые не могли быть полноценно реализованы из-за отсутствия соответствующих технических средств.
Примечательно, что даже сегодня не существует однозначного понимания того, что такое медиаискусство. Более того, сам термин "медиа" в современном языке приобретает неоднозначные коннотации. По своей сути, медиа — это прежде всего средства коммуникации: от традиционных газет до современных социальных сетей, что неизбежно связывает это понятие с технологической составляющей.
Если вернуться к презентации, на фотографии показан светозвуковой инструмент, созданный в казанской лаборатории «НИИ Прометей» под руководством Булата Галеева. Устройство генерирует светозвуковые паттерны и изначально разрабатывалось для изучения восприятия человеком искусства в условиях невесомости. Важно отметить, что в этом приборе уже отчетливо прослеживаются черты аудиовизуального синтеза — он объединяет в себе как звуковые, так и визуальные компоненты.
– Изначально было два прототипа. Первый прототип был создан в 1962 году, в то время не было никаких микропроцессоров, сложных технологий, были разве что простые транзисторы. Это компактное устройство содержало полную информацию о состоянии космического корабля: в случае неисправности система сразу отображала её на экране. При этом оно выполняло и эстетическую функцию — для космонавтов, лишённых привычного визуального разнообразия в космосе, оно становилось своеобразным арт-объектом, скрашивающим их досуг. Самое интересное, в наши дни никто не знает, как он работает. Мы связались с современной кафедрой КАИ и выяснили, что специалисты не рискуют разбирать устройство для изучения — из-за его возраста и сложной внутренней конструкции есть опасения, что собрать его обратно не удастся.
(Фото 8: Взято из трансляции лекции от Международного фестиваля медиаискусства НУР/NUR)
– Прибор «Кристалл» — яркая страница в истории аудиовизуального искусства. Раньше для исполнения «Поэмы Огня» Скрябина приходилось транспортировать по России и каждый раз заново настраивать тысячи ламп, что создавало серьёзные технические сложности. Именно в «Прометее» эту проблему решили, разработав компактный и мобильный прибор «Кристалл». Впоследствии он стал прототипом и вдохновением для создания более сложной системы — «Человек-машина». – Дополнил слова Андрэ Свибовича ведущий-модератор Дидар Оразов.
(Фото 9: Взято из трансляции лекции от Международного фестиваля медиаискусства НУР/NUR)
– Хотелось бы отметить художника Намджун Пайк, который в кураторском критическом сообществе считается первооткрывателем медиа-арта. Он применил подход, при котором графика становится аудио-реактивной: видеосигнал искажается в реальном времени под воздействием звуковых волн. В его работах используется три техники, которые распространены и сейчас: Графика реагирует на звук. Сигнификация визуальный данных превращает их в звуковые.Числовые значения генерируют и свет и звук.
(Фото 10: Взято из трансляции лекции от Международного фестиваля медиаискусства НУР/NUR)
– В 80-е годы активно начинают развиваться цифровые технологии. На фотографии изображен французский композитор, мультиинструменталист Жан-Мишель Андре Жарр, играющий на лазерной арфе. Он является ярким примером использования аудиовизуализации.
(Фото 11: Взято из трансляции лекции от Международного фестиваля медиаискусства НУР/NUR)
Уже в 90-е годы начинает формироваться такое понятие, как “новые медиа”, из-за того что цифровые технологии, их удобства, возможности обмениваться данными захватывают наш мир. В чем же отличие медиаискусства от новых медиа? Есть простая закономерность: большинство работ новых медиа перформативны. Абстрактная анимация - заранее созданное и неизменное изображение: при каждом воспроизведении оно остаётся тем же, она приобретает некоторую скульптурность, а в новые медиа чаще используется графика в реальном времени и каждый раз произведение может выглядеть иначе.
– Из примеров аудиовизуальных художников, чьи работы, по моему мнению, сделаны с тонким пониманием, пластичностью и хорошо концептуально реализованы, могу привести Рёдзи Икеда, тесно работающего с генерацией света и звука. Он является довольно знаменитым и в 2019 году представлял свои работы на 58-й Венецианской биеннале, одном из самых известных форумом мирового искусства. Хочется отметить, в его работах проекционная система и многоканальная звуковая система просчитаны и очень точно объединены между собой, отображая цельное произведение. Художник работает в стиле “датавиз” – тесная работа с анализом данных. В 2014 году Рёдзи Икеда получил премию “Ars Electronica Collide@CERN” за популяризацию науки через искусство.
Давиде Квайола - британский художник родом из Италии, строящий свои работы на алгоритмах. Графика создаётся вручную в реальном времени, а на её основе алгоритмы генерируют управляющие сигналы — как для музыкального инструмента, так и для визуальной составляющей.
Рючи Курокава - японский художник, использующий данные о видимой вселенной и вселенной, рассчитываемой супер-компьютером, которые он деконструирует и художественным образом превращает в аудиовизуальную среду.
— В своей работе я использовал не два отдельных приложения, а единую алгоритмическую систему, основанную на природных волновых формах и синусоидах. Эта масштабная система способна к бесконечной саморегенерации, а также управляет светом и звуком», — рассказывал Андре Свибович о своём проекте, представленном на фестивале «Ночь света в Гатчине».
– В другом моём аудиовизуальном перформансе «Nordlight» я использовал иной принцип создания работы. Я сканировал деревья и ледники за Полярным кругом во время полярной ночи — в тот короткий час, когда солнце появляется очень низко над горизонтом, создавая потрясающие синие оттенки. Параллельно я записывал звуки этих же деревьев и ледников с помощью гидрофонов и геофонов. Таким образом, я захватил природную аудиовизуальную среду, перенёс её в цифровой формат и связал все элементы в единую взаимосвязанную систему на уровне процессов.
– Прекрасно, когда художественное видение сталкивается с академизмом и наукой и рождается подобная синестезия. – Добавил ведущий-модератор Дидар Оразов.
Валерия ФЕДОРОВА